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Bajo el título «500 Años de Futuro» la segunda edición de la Bienal de Montevideo, comisariada como la primera por Alfons Hug, se desarrollará del 25 de septiembre al 22 de noviembre, contando en esta ocasión con la participación de cerca de 50 artistas de los cinco continentes, entre ellos, una docena de uruguayos, que expondrán sus obras en cuatro sedes: el Gran Hall de la Casa Central del Banco República, el Edificio Anexo del Banco República, el Museo de Artes Decorativas del Palacio Taranco y la Iglesia San Francisco de Asís.

Dentro de la selección de artistas locales que ha realizado Alfons Hug junto a Santiago Tavella, co-curador de la Bienal, están: Fernando Álvarez Cozzi (Montevideo, 1953), Ricardo Lanzarini (Montevideo, 1963), Javier Bassi (Montevideo, 1964), Federico Rubio (Montevideo, 1966), Diego Velazco (Montevideo, 1967), Andrea Finkelstein (Montevideo, 1967), Matilde Campodónico (Montevideo, 1969), Lucía Pittaluga (Montevideo, 1970), Rita Fischer (Young, 1972), Federica Folco (Montevideo, 1973), Patricia Mallarini (Montevideo, 1977) y Paola Monzillo (Montevideo, 1986).

En su mayoría son artistas nacidos entre los años 60 y 70, una generación que comienza a dominar la escena artística local, y que tiene entre sus galerías representantes a las también locales Galería Del Paseo, SOA Arte Contemporáneo o Xippas.

Además de los artistas uruguayos están los argentinos Eduardo Stupía (Buenos Aires, 1951), Adriana Bustos (Bahía Blanca, 1965), Leandro Erlich (Buenos Aires, 1973), Sofía Medici (Buenos Aires, 1974) y Guillermo Srodek-Hart (Buenos Aires, 1977); los brasileños Cao Guimarães (Belo Horizonte, 1965), Juliana Stein (Passo Fundo, 1970), Maurício Ianês (São Paulo, 1973), Pablo Lobato (Bom Despacho, 1976), Marcelo Moscheta (São José do Rio Preto, 1976); los chilenos Patrick Steeger (Santiago, 1970), Gianfranco Foschino (Santiago, 1983),Camila Borgna (Santiago, 1989) y Francisco Espinosa Silva (Santiago, 1991); los hondureños Adan Vallecillo (Danlí, 1977) y Leonardo González (Tegucigalpa, 1982); el colombiano Julián Dupont (Popayán, 1985); la costarricense Lucía Madriz (San José, 1973); y el panameñoHumberto Vélez (Ciudad de Panamá, 1965) -en colaboración con el uruguayo Luis Camnitzer (Lübeck, 1937)-.

500 años de futuro

La distancia que separa el presente del futuro se mide de modos diferentes y en unidades de medida variables en cada época. Ora el futuro parece estar al alcance de la mano, ora se aleja hasta lo inalcanzable. En ocasiones esta distancia se mide en nano segundos, otras en años, décadas y siglos. Los ingenieros intentan traducir la dimensión temporal a otra espacial y determinar la distancia entre presente y futuro con categorías físicas como millas, horas, kilovatios, o con el tacómetro, mientras que a los artistas les toca –no pocas veces– registrar las ruinas que bordean ese camino. Mientras que en el arte esta distancia es vivenciada de forma extremadamzente subjetiva y no lineal, la ciencia y la tecnología aspiran a la objetividad y plausibilidad.

El temor al mañana o, por el contrario, su anhelo, hará aparecer siempre al futuro en un matiz y extensión diferentes.

El futuro como el gran relato del arte

Desde la perspectiva eurocéntrica la cronología en el hemisferio occidental comienza recién en 1507, cuando el nombre «América» aparece por primera vez en un mapamundi de Martin Waldseemüller. Sin embargo, el hecho de que el continente estuviese poblado desde hace más de veinte mil años solía ignorarse, entre otras cosas, porque durante la conquista se destruyó una gran parte del patrimonio indígena.

Ante esta aniquilación a gran escala de una historia y un pasado, no es de extrañar que en Sudamérica también el futuro haya tenido que aplazarse una y otra vez. Esto es particularmente cierto para Brasil, el eterno «país del futuro». Que en los últimos años ese futuro haya logrado alcanzarse –quizás por primera vez– se debe a un aceleramiento cultural en el que colaboraron, entre otros, las bienales de arte. De modo que estaremos bien aconsejados si entendemos el futuro por medio de la visión de los artistas.

Traspasando los hemisferios, la 2a Bienal de Montevideo desplegará aquellos grandes relatos que harán reducir, aumentar o incluso converger las distancias temporales y espaciales entre los continentes.

El título sugiere que en todos los momentos de la historia el presente ha sido una proyección hacia el futuro. Quizá el pasado y el presente no sean otra cosa que una acumulación de futuros imaginarios que entretanto alcanzaron los 500 años y se encuentran divididos en dos mitades, porque en Sudamérica siempre se tuvo que considerar o incluso vivir la historia de Europa.

Hasta el tiempo fue importado de Europa. En el año 1650 el Rey Felipe III donó un reloj que fue creado por los moros para la Alhambra, a la Catedral de Comayagua (Honduras). Es considerado el reloj más antiguo de América y todavía funciona correctamente.

Una comparación de este antiguo reloj árabe con el tiempo autoconstruido del proyecto Standard Time de Mark Formanek es muy sugestivo. El primero marca el comienzo de la mecánica moderna en América; el último, el retorno consciente a formas artesanales de producción. En el intento por construir cada minuto con la ayuda de tablas de madera, los trabajadores de Standard Time se mueven permanentemente al borde del fracaso. Se trata de una visualización del tiempo que –de manera precaria– todos los días pretende construir un puente entre el pasado y el futuro y que, no obstante, debe ser actual y puntual. Un sólo error interrumpiría para siempre el flujo inexorable del tiempo.

Mientras que los llamados «medios sociales» incrementan la velocidad, como si de esta forma uno podría acercarse más rápidamente al futuro y a otras personas, cada vez más artistas ven como la tarea más noble del arte la detención del curso del tiempo o, más aún, la posibilidad de construirlo ellos mismos.

Por esta razón los artistas contemporáneos recurren crecientemente a archivos de todo tipo que aluden al pasado: objetos de otras épocas, fotografías en blanco y negro de principios del siglo, películas vintage y found footage de los inicios del cine, entre otros. Ahora que todo ya ha sido fotografiado y filmado, y porque se confía cada vez menos en las promesas del presente, armar archivos parece haberse convertido en uno de los procedimientos más modernos. En estas obras se suprime la habitual concepción lineal del tiempo y el progreso, por lo que, en no pocos casos, el artista contemporáneo llega tarde, procesando temáticas antiquísimas.

El arte es una máquina del tiempo que pertenece tanto a las eras más remotas como al presente y, precisamente, la cercanía inesperada entre lo más antiguo y lo más nuevo es una de las paradojas del arte.

Mas Info

del 25/09 al 22/11/2014
más detalles en la página oficial

100×100 nace de la inquietud de ofrecer a un público amplio la posibilidad de acercarse al arte contemporáneo pudiendo adquirir una obra de arte original bajo un coste asequible, y quizás ser ésta su primera obra de colección.

1. Podrán formar parte del evento artistas nacionales e internacionales.

2. Cada artista podrá participar con una, dos, tres o cuatro obras. Las medidas serán estándar dentro de estos dos formatos: 10x15cm ó 13x18cm.

3. El tema será libre y la técnica dentro de las siguientes modalidades: (dibujo/ pintura/ collage/ fotografía/ grabado/ mixta)

4. Para participar se enviará un mail a la dirección de correo electrónico adelarte.comunicacion@gmail.com con asunto 100×100, los datos personales del artista (nombre y apellidos, ciudad de residencia, contacto) un enlace de su página web/ blog/ o en su defecto adjuntar un pequeño dossier de obra representativo del trabajo del artista. Se podrán enviar propuestas hasta el 3 de octubre.

5. La Galería A del Arte notificará por mail a los artistas seleccionados y hará pública la lista en su página de Facebook. GALERIA A DEL ARTE

6. Los autores seleccionados remitirán a la dirección postal de laGalería A del Arte los originales que deberán recibirse antes del 31 de octubre, en el domicilio C/ Fita nº 19 CP: 50.005 Zaragoza (España)

7. El autor deberá declarar en dicho envío si prefiere recuperar personalmente en la Galería la obra al término del periodo de exposición en caso de no ser vendida, o bien expresar claramente la dirección a donde deberá remitirse la obra para su devolución en tal caso mediante envío postal con franqueo en destino.

8. Las obras expuestas serán objeto de venta al público al precio único de 100€ c/u, correspondiendo un cincuenta por ciento al artista, y destinando el resto a los gastos de gestión, coordinación, difusión y producción.

9. El Importe de las obras vendidas en su caso, se remitirá a sus autores mediante transferencia bancaria en el plazo máximo de un mes desde la finalización de la exposición o de su venta si fuere posterior.

10. El diseño y montaje de la Exposición y sus gastos serán por cuenta de la Galería A del Arte. Todos los gastos de envío y recepción serán por cuenta de cada participante no responsabilizándose la Galería A del Arte de los posibles deterioros que pudieran sufrir las obras en su transporte.

11. La participación implica la total aceptación y conformidad con lo expuesto en las bases que regulan esta convocatoria.

12. Los autores de las obras participantes en el concurso autorizan a la Galería A del Arte para publicar las imágenes de sus obras en cualquier medio de difusión.

13. La organización del concurso se reserva el derecho de tomar decisiones no reflejadas en las presentes bases, siempre y cuando contribuyan al mejor desarrollo del mismo y no afecten sustancialmente su esencia.

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convocatoria internacional
envíos hasta el 03/10/2014
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